Moda “La fibra milagrosa”, así era conocido el poliéster cuando fue presentado por primera vez al mercado estadounidense en 1951. La campaña de publicidad leía “¿Quiere tener una prenda que puede usarse por 68 días seguidos sin necesidad de ser planchada y verse presentable?" En aquel entonces ese era el factor que más generaba valor en la sociedad, no tener que planchar las prendas de vestir. Ni en los hogares, ni para los viajeros, era la fibra ideal.
El poliéster nació como un grupo de polímeros en W.H. Carother’s Laboratory, Carothers trabajaba para duPont en el momento en que descubrió que los alcoholes y los ácidos carboxílicos podían combinarse con éxito para formar fibras. Sin embargo, el poliéster quedó en segundo plano una vez que Carothers descubrió el nailon. Un grupo de científicos británicos, J.R. Whinfield, J.T. Dickson, W.K. Birtwhistle y C.G. Ritchie, retomaron el trabajo de Carothers en 1939 y en 1941 crearon la primera fibra de poliestireno llamada Terileno. En 1946, duPont compró todos los derechos legales de los británicos y creó otra fibra de poliéster a la que llamaron Dacron. Desde entonces los laboratorios y científicos siguieron desarrollando cada vez más variaciones de estas fibras de origen artificial que revolucionaron la industria para siempre, no solo por la facilidad de mantenimiento, sino también por su precio. Esta misma fibra, que hasta hace unos años o quizás meses, era vista como barata, ordinaria y económica, se transforma en una fibra “sostenible” hecha de insumos reciclados y se cuela en el mundo del lujo como una alternativa nueva. Para las generaciones mayores es aún increíble que el poliéster sea de valor, pero para las nuevas generaciones, será quizás la fibra más valiosa que conozcan Fuente: Schwartz Eng
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Moda Para muchos eruditos de la moda, los años 30 marcaron la verdadera revolución de la moda; después del abandono del corsé, el recorte de los dobladillos y los “locos años 20” de silueta recta y mucho Charleston, fueron los 30’s los que nos enseñaron a vestir el cuerpo de la mujer. Sin agredirlo, con crinolinas y corsés, y sin esconderlo con cortes rectos, el romanticismo y las curvas femeninas se tomaron el escenario de los años 30. Con el corte al sesgo, las sedas y los satines se posaban naturalmente sobre la figura femenina, resaltando la cintura y evocando los cuerpos de sirena.
Los escotes hicieron su aparición, las espaldas se destaparon, los largos, se volvieron largos de nuevo y los vestidos de gala se adornaban de dobladillos con vuelos que se contoneaban al caminar de las mujeres, evocando una sensualidad y una feminidad sin par. La ropa del diario se volvió elegante, sutil y cómoda, con vestidos midi o ¾, hombros amplios, telas anudadas y moños. El cine y su era de oro hicieron florecer a la industria de la moda, con estrellas amadas e imitadas como Joan Crawford y Marlene Dietrich. Madeleine Vionnet, Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli, Gabrielle Chanel y jean Cocteau fueron algunos de los protagonistas de esta Era que volvió el glamour accesible y le permitió a la sociedad volver a soñar sueños de belleza. Se dice que las modas van y vienen y que todo puede pasar, especialmente en estos tiempos, pero si vemos la historia, después de los años 20 de liberación y el fit amplio, llegaron los 30’s de la silueta ajustada, los vuelos y la feminidad. ¿Estaremos frente a la misma transición un siglo después? Después del auge del activewear, lo casual, las sudaderas y lo cómodo, ¿volverá la elegancia, la sutileza y la feminidad? ¿Nos tardará una década o quizás unos cuantos meses? Moda El PR o las relaciones públicas son uno de los grandes misterios de la industria, son tildados de ser servicios muy costosos, poco útiles y sin capacidad de medición del ROI (Return Of Investment - Retorno de inversión), pero la realidad que es que estas agencias, bien seleccionadas y adaptadas a los presupuestos de las marcas, pueden ser de gran ayuda, incluso cambiar el curso de una marca. Las relaciones públicas, como su nombre lo dice, son la forma en la que la marca se relaciona con el cliente final y todo el público. Antiguamente las marcas trabajaban con las agencias de publicidad, creaban campañas y se las pasaban a sus PR para que ellos hicieran difusión en medios.
Hoy en día, los relacionistas públicos son mucho más que difusores de información o personas muy bien conectadas, son estrategas de marcas que se insertan entre los equipos de diseño y mercadeo para generar desde cero campañas y estrategias que mejoren la visibilidad de la marca. Su función es construir puentes que permitan al cliente conectarse con la esencia de las marcas en todas las formas posibles. Las relaciones públicas buscan generar ideas y resolver problemas. Es importantísimo esclarecer que contratar un PR para un mes o dos meses es realmente contraproducente, pues no se le da a la agencia la oportunidad de conectarse y crear relaciones reales con los aliados, llámese prensa, embajadores de marca, representantes, clientes, etc. La perseverancia es la clave de muchas cosas en la industria y esta no es la excepción. Nuestra recomendación: No contratar estos servicios hasta no estar seguros de poder pagar al menos 6 meses de servicios para empezar a ver realmente resultados tangibles. Este es un rubro que vale la pena estudiar y agregar en el plan de expansión de la marca. Sin afanes, todo a su tiempo. Moda El o la premier o première d’atelier es la persona encargada de dirigir el taller de costura o alta costura. Es una posición que data, según los archivos, desde los años 1800 en Francia, con el auge de la costura y las casas de moda. ¿Qué es ser Premier d’atelier)? es la mano derecha del diseñador o el director artístico, pero más que eso, es su complemento y la persona en la que más confía, le confía sus creaciones. Esta persona es capaz de entender y realizar a la perfección los sueños del diseñador.
Es una persona con magia en sus manos, capaz de tomar una tela, una muselina de seda, un chiffon, y volverlo una obra de arte, de costuras perfectas, bordados ‘magnifiques’. Es la persona que hace realidad el sueño de la moda. ¿Cómo ser un premier d’atelier? con mucho muchísimo rigor, teniendo una capacidad de concentración y un deseo de perfección lejos de lo convencional. Siendo un enamorado del arte de la costura, de sus diferentes técnicas y el manejo perfecto de las máquinas. Conociendo el fascinante mucho de los estilos de costuras, las telas, los insumos. Pero sobre todo, con pasión y perseverancia. “Cualquiera puede diseñar, pero no todos saben coser”, decía McQueen, un diseño sin quien lo ejecute, no vale nada. Muchas veces creemos que el único camino hacia trabajar en la moda es el diseño de moda, pero realmente el abanico de posiciones es infinito, se crean nuevos puestos y necesidades todos los días, y aunque así lo parezca, ninguno de estos puestos son glamourosos, todos son apasionantes. Hay personas que aman la manualidad, la perfección en la costura en los patrones, estas personas, con una buena especialización y práctica, podrían llegar a ser un día premier d’atelier, es un cargo tan prestigioso (si no más) que el de director artístico ¿lo conocías? Nota: el cargo se llama Premier d’atelier, en francés porque es ligado usualmente a la alta costura, no tiene traducción en otro idioma. En español traduce literalmente “primero del taller”, premier es masculino y première es femenino. Moda Marc Jacobs es uno de los diseñadores estadounidenses más conocidos de nuestros tiempos, con su marca homónima y su larga relación con Louis Vuitton. A Marc se le atribuye la fama de los directores artísticos después que a sus 34 años fuera seleccionado para dirigir las colecciones de Louis Vuitton. Pero, ¿sabías que Marc Jacobs fue despedido de Perry Ellis por su colección Primavera Verano en 1992? El diseñador presentó una propuesta disruptiva para la época con modelos en botas de Dr. Martens, tenis de Converse, gorros de lana, pantalones cargo, jeans baggy y camisetas pegadas al cuerpo con camisas masculinas por encima ¿te suena familiar?
La colección causó revuelo, inspirada en el grunge y las bandas como Nirvana y Sonic Youth, fue alabada por muchos y detestada por otros, pero era fiel a lo que él sentía y quería proponer en ese entonces. Con el dinero de su indemnización por despido de Perry Ellis, Marc Jacobs fundó su propia marca, donde producía vestidos modernos y atractivos, a precios elevados, pensados para la clase alta de Nueva York. (Un target muy claro que lo llevó al estrellato). Al poco tiempo de abrir su propia marca, llegó la propuesta que cambiaría su vida: Convertirse en el director artístico de las colecciones de moda femenina de Louis Vuitton en París. ¿Por qué seleccionaría Bernard Arnault (presidente del Grupo LVMH propietario de Louis Vuitton), un diseñador tan “lejano” de la moda parisina para debutar en la - hasta entonces - tradicional casa francesa? En las palabras de Dana Thomas: El objetivo de las colecciones de Marc Jacobs en Louis Vuitton era hacer fama, ganar reconocimiento y posicionarse en los titulares de los periódicos para impulsar la marroquinería de Vuitton, el verdadero negocio. Lo que inició como una estrategia de ventas se convirtió en una relación exitosa de casi dos décadas, donde además de ser el diseñador de Louis Vuitton, Marc Jacobs consiguió inversión de LVMH en su empresa. Moraleja: Nunca hay que forzar las cosas, se cierra una puerta, se abren más, lo importante es ser original y no excusarse por su creatividad. Ser fiel a si mismo es la clave de un buen diseñador. Moda En la sesión de preguntas del domingo pasado vimos una (alarmante) cantidad de dudas sobre los influencers, el gifting o los regalos y las campañas de Navidad. Aquí traemos unos tips: 1. Recuerda que nada funciona “por si solo”, una vez que el influencer que escojas publique tu marca, ¿tienes cómo atender al público? (canal de ventas claro, página web o Instagram con información suficiente para entender la esencia de la marca y los productos, etc).
2. Los influencers son un eslabón de la estrategia de marketing, no son LA estrategia en sí. Los influencers lo que hacen es; o dar a conocer tu marca y tu producto, o respaldarlo, pero en ambos casos lo que otorgan es seguridad, fiabilidad. No venden por ti, esa no es su labor, te dan su voto de confianza de cara a su comunidad, que es importante. 3. Es vital trabajar solo con marcas/influencers con los que realmente haya afinidad. Que los estilos concuerden, que sea natural. 4. La micro influencia, incluso con “no influencers”, puede funcionar mejor. En estas épocas de excesiva información, ¿en quién confías más, en una persona cercana o conocida o en un influencer? (No es blanco o negro, es una opción). 5. El gifting es una excelente herramienta pero hay que ejecutarla bien, de manera ordenada y con respeto. Así no lo creas hay personas a las que no les gusta recibir regalos. Siempre contacta a la persona, preséntate, presenta tu marca, ofrece el regalo y espera una respuesta. 6. La comunicación es clave. Si haces una buena campaña en varios ejes: correo masivo, posts, stories, lanzamientos y el apoyo de la influencia en cualquiera de sus niveles, sin duda verás los resultados, pero ¡necesitas un orden y una estrategia! 7. Si tienes como, ¡Contrata un relacionista público que te ayude, te asesore y te acompañe! Moda La tendencia que se convirtió en estilo. ¿Has escuchado la frase que las modas van y vienen pero el estilo es eterno? Algo así sucedió con el Athleisure, lo que nació como una tendencia de utilizar ropa deportiva en el día a día, es hoy en estilo de moda. De hecho, desde 2016 la palabra Athleisure fue oficialmente incluida en el diccionario y se define como “Ropa casual diseñada para ejercicio y uso general”, es una definición muy amplia pero acertada.
El origen del Athleisure es incierto, hay quienes dice que viene desde 1870 cuando empezó el auge de la ropa deportiva, otros lo atribuyen a la generación de Chanel y Patou con el jersey. Hay quienes dicen que nació en los 70’s y 80’s con los leggings de estribo, pero la fecha de mayor fuerza por el momento es 1997: el año en que se crearon Juicy Couture y Lululemon. Entre los combinados de saco y sudadera en terciopelo de Juicy Couture y los pantalones licrados de Lululemon, nació la tendencia que se convirtió en estilo y que hoy por hoy pesa más de 100.000 millones de dólares anuales en la economía de la moda. Pero, ¿por qué es tan importante este término? Para muchos, el Athleisure es el estilo del futuro o de esta década por lo menos, es la fusión entre el comfort y la moda, apoyado en los textiles técnicos y la libertad de expresión. Es el primer estilo de moda que tiene una foto que lo pueda definir, es el máximo exponente de la libertad. Según cifras oficiales esta moda, crecerá en cerca de un 10% anual al menos hasta 2026, aunque las cifras de este año apuntan para un crecimiento aún mayor. Desde Chanel hasta Fendi, pasando por Dior y Gucci, todas las grandes marcas ya han acatado esta moda, esto sin nombrar a todas las marcas de ready to wear y fast fashion. El Athleisure se volvio transversal, se integró en los códigos de vestuario de las empresas y en el día a día de todos, ¿conocías el término? Moda “Concept store”, o tienda de concepto, es un término que escuchamos de seguido en la industria de la moda. Una concept store no es “solo” una tienda multimarca, es un universo de objetos seleccionados que obedecen a una filosofía de vida, una estética y/o un estilo. En principio, las concept stores no son solo lugares de venta, sino también de relacionamiento, es por ello que usualmente tienen cafés, libros, música, y espacios donde los clientes pueden ser ellos mismos, sin tener que comprar. Aunque el concepto original se ha desviado un poco.
En la historia de la moda, el nombre como tal “concept store” fue “creado” por el sociólogo Francesco Morace hacia 1991 para describir la tienda 10 Corso Como, de las hermanas Sozzani en Milán. Pero sin tener nombre propio, la esencia de este modelo de tiendas data de unas décadas atrás. Se dice que la primera concept store del mundo fue Bazaar, en la calle Kings Road en Londres, creada en 1955 por Mary Quant, la diseñadora británica famosa por su sensibilidad artística y sus mini faldas. Bazaar, ubicada en Chelsea, el prestigioso barrio londinense, era casa de intelectuales, diseñadores y amantes de la moda que se reunían a leer, hablar, gozar de buena compañía y comprar. Mary Quant describía su tienda como un mundo bohemio de pintores, fotógrafos, arquitectos, escritores, personalidades, actores y más, era un espacio de vida, de debate, de moda, de arte y de inspiración. Hoy 65 años después de este primer ejemplar, la forma de las concept stores ha mutado, pero su esencia se mantiene, es por eso que no se debe confundir, una tienda multi marca con una concept store. ¿”Solo” vendes? o ¿tienes un espacio, un universo propio con una filosofía particular? Moda Mucho hemos hablado del verdadero significado del lujo, de cómo lo que conocemos o creemos hoy que es lujo, no lo es pero ¿quién decide qué si y qué no? Hace unos años un grupo de empresarios latinos lanzaron en Nueva York, en los Hamptons “The $1.000 t-shirt”, una camiseta que costaba 1000 dólares; blanca, cuello redondo, manga corta en algodón, con un estampado en dorado que decía “The $1.000 shirt”, Hicieron una docena para probar si funcionaría y lo vendieron todo en un día.
¿El secreto? el público correcto. Personas que tenían 1000 dólares para gastar en una camiseta que le indicara a todas las personas de la fiesta que ellos gastaron 1000 dólares en algo que usualmente costaría menos de 20. ¿Lujo? En teoría sí, en realidad, No. Este es el mejor ejemplo de la decadencia del lujo. Desde los años 2000 la industria del lujo tuvo un cambio esperado pero incómodo para los eruditos de la industria: El lujo se volvió algo para las masas, bajó sus precios, bajó su calidad, masificó sus producciones y conservó su imagen, ya no había que esperar para recibir un producto, estaba en libre venta en todas las tiendas del mundo. Los artículos de lujo dejaron de valer por su valor real, su tradición, calidad, y manualidad, para valer netamente por su marca. ¿Lo que consideras lujo tiene un atributo más allá de la marca? ¿Sabías que cuando una marca de lujo comercial hace “solo” 600 unidades de una pieza es considerada, una serie corta? ¿qué es el lujo realmente en nuestros días? ¿qué cualidades tiene el lujo más allá de las marcas? ¿El lujo perdió su brillo? Recomendación de lectura: Cuando el lujo perdió su esplendor, de Dana Thomas. Moda La década de los 90’s en la moda estuvo marcada por cambios; el auge de las top models, el establecimiento de algunas de las marcas comerciales más conocidas de nuestros días, el neo minimalismo, una libertad diferente y una respuesta única al contexto social. Dolce & Gabanna, Martin Margiela, Donna Karan, Calvin Klein y los 6 de Antwerp cambiaron para siempre lo que sería el futuro de la moda, y la moda como la conocemos hoy en día.
No es casualidad que esta década esté de regreso justo en este momento en donde se está redefiniendo una vez más el contexto social en medio de una pandemia que ha obligado a reorganizar el mundo entero, la sociedad, la familia, el hogar e incluso ha obligado a las personas a volver a conocerse a sí mismas. La individualidad, la originalidad y el cuerpo humano con sus siluetas, marcaron los 90’s con una alta cuota de minimalismo que permitía la creación de looks maximalistas. Prendas sencillas que permitían expresar la creatividad y la individualidad de cada uno. El sporty chic, los colores fuertes, puros y los neones se mezclaron con los pasteles, los accesorios pequeños, los zapatos deportivos, fueron clave en los 90. ¿Te suena similar al momento que vivimos? La moda no volvió a ser la misma desde los 90, se liberó de una forma que superó aún más a las décadas anteriores, pero desde ahí se estabilizó, ahora, tres décadas después, estudiamos lo que pasó en aquellos años para adaptarlo a nuestra “nueva revolución”. Volvimos al sporty chic, a los neones y los pasteles, al minimalismo, a la libertad de expresión, a la creatividad y ahora le sumamos, la nueva normalidad, todo adaptado a un nuevo estilo de vida. Conocer la historia nos permite avanzar con mayor seguridad. |
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May 2023
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