La tendencia que se convirtió en estilo. ¿Has escuchado la frase que las modas van y vienen pero el estilo es eterno? Algo así sucedió con el Athleisure, lo que nació como una tendencia de utilizar ropa deportiva en el día a día, es hoy en estilo de moda. 

De hecho, desde 2016 la palabra Athleisure fue oficialmente incluida en el diccionario y se define como “Ropa casual diseñada para ejercicio y uso general”, es una definición muy amplia pero acertada. 

El origen del Athleisure es incierto, hay quienes dice que viene desde 1870 cuando empezó el auge de la ropa deportiva, otros lo atribuyen a la generación de Chanel y Patou con el jersey. Hay quienes dicen que nació en los 70’s y 80’s con los leggings de estribo, pero la fecha de mayor fuerza por el momento es 1997: el año en que se crearon Juicy Couture y Lululemon. 

Entre los combinados de saco y sudadera en terciopelo de Juicy Couture y los pantalones licrados de Lululemon, nació la tendencia que se convirtió en estilo y que hoy por hoy pesa más de 100.000 millones de dólares anuales en la economía de la moda. 

Pero, ¿por qué es tan importante este término? Para muchos, el Athleisure es el estilo del futuro o de esta década por lo menos, es la fusión entre el comfort y la moda, apoyado en los textiles técnicos y la libertad de expresión. Es el primer estilo de moda que tiene una foto que lo pueda definir, es el máximo exponente de la libertad. 

Según cifras oficiales esta moda, crecerá en cerca de un 10% anual al menos hasta 2026, aunque las cifras de este año apuntan para un crecimiento aún mayor. Desde Chanel hasta Fendi, pasando por Dior y Gucci, todas las grandes marcas ya han acatado esta moda, esto sin nombrar a todas las marcas de ready to wear y fast fashion. 

El Athleisure se volvio transversal, se integró en los códigos de vestuario de las empresas y en el día a día de todos, ¿conocías el término?

“Concept store”, o tienda de concepto, es un término que escuchamos de seguido en la industria de la moda. Una concept store no es “solo” una tienda multimarca, es un universo de objetos seleccionados que obedecen a una filosofía de vida, una estética y/o un estilo.

En principio, las concept stores no son solo lugares de venta, sino también de relacionamiento, es por ello que usualmente tienen cafés, libros, música, y espacios donde los clientes pueden ser ellos mismos, sin tener que comprar. Aunque el concepto original se ha desviado un poco. 

En la historia de la moda, el nombre como tal “concept store” fue “creado” por el sociólogo Francesco Morace hacia 1991 para describir la tienda 10 Corso Como, de las hermanas Sozzani en Milán. Pero sin tener nombre propio, la esencia de este modelo de tiendas data de unas décadas atrás. 

Se dice que la primera concept store del mundo fue Bazaar, en la calle Kings Road en Londres, creada en 1955 por Mary Quant, la diseñadora británica famosa por su sensibilidad artística y sus mini faldas. Bazaar, ubicada en Chelsea, el prestigioso barrio londinense, era casa de intelectuales, diseñadores y amantes de la moda que se reunían a leer, hablar, gozar de buena compañía y comprar. 

Mary Quant describía su tienda como un mundo bohemio de pintores, fotógrafos, arquitectos, escritores, personalidades, actores y más, era un espacio de vida, de debate, de moda, de arte y de inspiración. 

Hoy 65 años después de este primer ejemplar, la forma de las concept stores ha mutado, pero su esencia se mantiene, es por eso que no se debe confundir, una tienda multi marca con una concept store. ¿”Solo” vendes? o ¿tienes un espacio, un universo propio con una filosofía particular?

Mucho hemos hablado del verdadero significado del lujo, de cómo lo que conocemos o creemos hoy que es lujo, no lo es pero ¿quién decide qué si y qué no?

Hace unos años un grupo de empresarios latinos lanzaron en Nueva York, en los Hamptons “The $1.000 t-shirt”, una camiseta que costaba 1000 dólares; blanca, cuello redondo, manga corta en algodón, con un estampado en dorado que decía “The $1.000 shirt”, Hicieron una docena para probar si funcionaría y lo vendieron todo en un día. 

¿El secreto? el público correcto. Personas que tenían 1000 dólares para gastar en una camiseta que le indicara a todas las personas de la fiesta que ellos gastaron 1000 dólares en algo que usualmente costaría menos de 20. ¿Lujo? En teoría sí, en realidad, No. Este es el mejor ejemplo de la decadencia del lujo. 

Desde los años 2000 la industria del lujo tuvo un cambio esperado pero incómodo para los eruditos de la industria: El lujo se volvió algo para las masas, bajó sus precios, bajó su calidad, masificó sus producciones y conservó su imagen, ya no había que esperar para recibir un producto, estaba en libre venta en todas las tiendas del mundo. 

Los artículos de lujo dejaron de valer por su valor real, su tradición, calidad, y manualidad, para valer netamente por su marca. ¿Lo que consideras lujo tiene un atributo más allá de la marca?

¿Sabías que cuando una marca de lujo comercial hace “solo” 600 unidades de una pieza es considerada, una serie corta? ¿qué es el lujo realmente en nuestros días? ¿qué cualidades tiene el lujo más allá de las marcas? 

¿El lujo perdió su brillo?  Recomendación de lectura: Cuando el lujo perdió su esplendor, de Dana Thomas.

La década de los 90’s en la moda estuvo marcada por cambios; el auge de las top models, el establecimiento de algunas de las marcas comerciales más conocidas de nuestros días, el neo minimalismo, una libertad diferente y una respuesta única al contexto social.

Dolce & Gabanna, Martin Margiela, Donna Karan, Calvin Klein y los 6 de Antwerp cambiaron para siempre lo que sería el futuro de la moda, y la moda como la conocemos hoy en día. 

No es casualidad que esta década esté de regreso justo en este momento en donde se está redefiniendo una vez más el contexto social en medio de una pandemia que ha obligado a reorganizar el mundo entero, la sociedad, la familia, el hogar e incluso ha obligado a las personas a volver a conocerse a sí mismas. 

La individualidad, la originalidad y el cuerpo humano con sus siluetas, marcaron los 90’s con una alta cuota de minimalismo que permitía la creación de looks maximalistas. Prendas sencillas que permitían expresar la creatividad y la individualidad de cada uno. 

El sporty chic, los colores fuertes, puros y los neones se mezclaron con los pasteles, los accesorios pequeños, los zapatos deportivos, fueron clave en los 90. ¿Te suena similar al momento que vivimos? 

La moda no volvió a ser la misma desde los 90, se liberó de una forma que superó aún más a las décadas anteriores, pero desde ahí se estabilizó, ahora, tres décadas después, estudiamos lo que pasó en aquellos años para adaptarlo a nuestra “nueva revolución”. 

Volvimos al sporty chic, a los neones y los pasteles, al minimalismo, a la libertad de expresión, a la creatividad y ahora le sumamos, la nueva normalidad, todo adaptado a un nuevo estilo de vida. Conocer la historia nos permite avanzar con mayor seguridad.

El jersey o tejido de punto, es una de las telas que más utiliza la industria textil actualmente, sea en sus presentaciones de lana, algodón, seda, lino, viscosa o poliéster, pero ¿de dónde viene?

El primer rastro de este tejido data de la época Medieval, en la isla de Jersey, ubicada en el Canal de la Mancha. En aquel entonces esta tela era reservada a la ropa interior masculina, y algunas prendas de trabajo para los pescadores.

Hasta el año 1916, cuando Gabrielle Chanel se arriesgó a utilizarla para la moda femenina con sus chaquetas y vestidos en jersey de lana y algodón, el resto es historia.

Poco más de un siglo después esta tela en todas sus variaciones, desde el tejido de punto plano, hasta el punto milano y el jersey en 3D, es utilizada en un abanico de prendas tan variadas que va desde la ropa interior hasta las prendas de gala, pasando por los mercados de hombre, mujer y niños. 

La innovación de Gabrielle Chanel, cambió para siempre los paradigmas de la tela y de la industria. La modista fue mucho más que “solo” la fundadora de una de las casas de costura y lujo más afamadas de la actualidad, ella fue en realidad una revolucionaria y “rebelde” de la moda.  

Muchas veces nos enfocamos mucho en el uso de las telas, en saber qué tela es buena para qué, cuando en realidad tenemos la entera libertad de crear y cruzar materiales, solo así salen las verdaderas creaciones. ¿Qué tan libre eres? 

Antes de tener casas de moda, revistas de moda, catálogos impresos, fotografías siquiera, desfiles y showrooms, los costureros y sastres, presentaban sus creaciones y la moda misma en “Pandoras”, pequeñas muñecas de unos 45 cm de alto, talladas en madera, y vestidas con exquisitas prendas de costura.

Las Pandoras eran maniquíes vestidos a la última moda de París y Londres, y enviados a tiendas y fabricantes de patrones para mostrar en 3D a los clientes los nuevos estilos de las grandes ciudades. Estas pequeñas muñecas estaba vestidas con lujo de detalles y eran testigo de las técnicas y la habilidad manual. 

Por medio de estas muñecas vestidas, se podía demostrar telas reales y técnicas, así como toda la gama de accesorios que iba desde los sombreros y los guantes, hasta las prendas interiores y los tocados. 

Todo era diseñado y confeccionado a escala con las telas y elementos reales de las prendas de vestir, destinadas a las clases más adineradas. Los modistos y costureros fijaban cada prenda y accesorio a la muñeca de madera, para asegurarse que en toda la travesía, el look y las prendas se mantuvieran intactas. 

Estas muñecas viajaban en cajas de madera por todos los continentes, algunas tenían incluso pasaportes que daban fe de sus paradas y sus travesías. Según cuenta el Victoria and Albert Museum en Inglaterra, las mujeres de la época, podían comprar las muñecas para mandar a hacer sus vestidos idénticos con sus sastres y costureros, o bien, pedírselos por encargo al diseñador. 

Las muñecas viajaban acompañadas de un comerciante, que de tiempo en tiempo tomaba las medidas de las clientes, tomaba sus pedidos, los pagos y regresaba a donde los modistos para la producción. En su siguiente viaje entregaría los encargos y mostraría las nuevas creaciones. 

Las mujeres más adineradas y de la realeza invitaban a sus amigas para recibir las muñecas viajeras, sastres, zapateros y todas las novedades de moda. Ahí nacieron los showrooms. 
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En los museos textiles del mundo se encuentran prendas de vestir y creaciones textiles que datan desde el antiguo Egipto, aunque los historiadores aseguran que los humanos utilizamos prendas de vestir desde la última era de hielo, pero ¿cuando pasa la moda de ser un medio de protección a ser un motor de la economía?

​Según los historiadores el gran paso de la moda y el textil hacia la influencia económica empieza con la ruta de la seda, hacia los años 130 antes de Cristo, cuando mercaderes de China, Asia y Europa empezaron a intercambiar insumos textiles, sedas, tapetes, especias, cueros, lanas, joyas, piedras, etc. Fue durante la Dinastía Han en China, que se abrieron las fronteras al comercio. 

La afamada ruta conectaba a China con Susa, hoy Iran, así como Sardis, hoy Turquía y el Imperio Griego desde donde se irrigaba por todo Europa. La seda es hasta hoy conocida como una de las fibras más valiosas y lujosas por su tacto, su apariencia y su resistencia, es una de las fibras más fuertes y duraderas, pero también de las más costosas. 

La travesía que unió los mercados asiáticos y europeos, inició con la seda, los cueros y metales preciosos, pero dio paso a un sinnúmero de intercambios comerciales. 

Desde hace más de 2130 años la moda se convirtió en industria, en negocio fruto de intercambio y en un punto importante de la historia de la humanidad. Los textiles y las fibras sirvieron desde ese entonces, no solo a tapar la desnudez, sino a marcar las culturas, tradiciones, niveles socio económicos y gustos. 

Por la misma ruta de la seda, llegó el papel, invento chino a Europa, lo que permitiría en una primera instancia la difusión de la información, una mejora en las comunicaciones y posteriormente, un soporte para los modistos, creativos y demás, donde plasmar sus ideas.

Según Dana Thomas, la industria de la moda emplea hoy en día a un tercio de la población mundial, desde el inicio de la cadena con la agricultura, hasta el final de la cadena en las ventas y arreglos, etc. ¿Dudas del poder de nuestra industria?  
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Los desfiles, bien sean físicos o virtuales, han sido por más de 100 años la plataforma preferida de presentación de las colecciones de las marcas y diseñadoras, pero ¿dónde nace este formato?

El primer desfile “oficial” registrado en la historia de la moda data de 1860 con la presentación del modisto inglés Charles Frederick Worth, que presentó por primera vez en París una colección con modelos vivas en lugar de maniquíes. 

Hasta entonces, la alta costura y los vestidos de los modistos eran presentados en maniquíes de costura y modificados para sus clientes o en su defecto, hechos a la medida de cada persona. 

Estos primeros desfiles y presentaciones de moda se hacían en las oficinas de la casa de moda, en sus salones de presentación o bien en hoteles de lujo, en presencia de los clientes y amigos, el círculo más cerrado y exclusivo posible. 

Las modelos desfilaban con números en sus manos y después los clientes pasaban sus pedidos, haciendo citas posteriores en donde los modistos les tomaban las medidas y alguna modificación que fuese necesaria. 

Hoy en día los desfiles se presentan en su gran mayoría como parte de las semanas de la moda y eventos de moda en el mundo que inician en Nueva York, viajan a Londres, Milan y París. En Latinoamérica, las principales presentaciones de moda de gran magnitud se hacen dentro de los eventos de moda: Colombiamoda, Intermoda, LIF Lima Fashion Week, México Fashion Week, entre otros. 

La industria de la moda ha estado estrechamente ligada a la belleza desde siempre, pero sobre todo desde el siglo XX, se dice que esta unión y coqueteo entre las industrias inició con el perfume.

La historia del perfume data desde el antiguo Egipto y los tiempos de la ruta del incienso, los preciosos olores orientales que valían en aquel entonces más que el oro. Los perfumes y los olores hacían parte de los rituales religiosos, eran considerados sagrados y de gran distinción. 

Siglos después, la capital de los perfumes dejó de ser el medio oriente, donde se dice que se crearon las primeras máquinas para destilar flores y sus aromas, para instalarse en Francia, particularmente Grasse, una población en el sur del país donde aún hoy en día Dior cosecha la mayoría de sus flores para perfumería y cosmética. 

La historia cuenta que Grasse había una curtiembre donde se teñía el cuero de los guantes, muy a la moda en la Europa de 1800, y que el olor de la planta era tan desagradable que solo las plantaciones florales, lograron retornar la vida al pueblo. 

La realeza francesa era conocida por sus perfumes, desde Louis XIV hasta Napoleón, pero fue solo en 1921 cuando Gabrielle Chanel, se convirtió en la primera ‘couturière’ en presentar su perfume Chanel No. 5. 

Las historias son variadas, hay quienes dicen que los perfumes rusos eran los más valiosos con historias más antiguas, pero la unión entre la moda y la industria olfativa y cosmética comienza aquí. Chanel imaginó y escogió ella misma los olores y las mezclas de su perfume, su empaque y su nombre, según ella, inspirada en una mezcla de notas amargas de su infancia.  

La perfumería de Chanel fue la puerta de entrada de la familia Wertheimer, actual propietaria de la marca, a la casas de modas. 

Desde entonces Paul Poiret, Lanvin, Jean Patou, Elsa Schiaparelli y muchos costureros más, impregnaron el mundo con sus esencias. ¿Sabías que la palabra Perfume viene del latin Per-fumum que traduce a través del humo?

La historia de la técnica ‘patchwork’ o recortes unidos, data de hace más de 5500 años, con apariciones en el antiguo Egipto, la dinastía China y demás. En sus orígenes la técnica era una necesidad pues los materiales disponibles en aquel entones no eran lo suficientemente grandes para hacer prendas enteras, sino que debían ser empatados.

Contrario a la creencia popular, la técnica no nació de la necesidad económica por aprovechar recursos, sino de la necesidad de crear, de poder tener grandes extensiones de textiles y cueros, a veces en los mismos tonos, a veces con creaciones diferentes. 

El patchwork en sus versiones ‘organizadas’ se asemeja a la técnica antigua de la cerámica y los azulejos, todo un arte, mientras en su versión ‘crazy quilt’ o colcha loca, une pedazos y retazos de telas de diferentes formas, tamaños y colores, similar a lo que utilizamos hoy en día. 

La técnica que se despertó tímidamente desde 2015 con denim sobre denim e incluso una cápsula especial de Dior en 2018, se encuentra en auge desde principios de este año, y tendrá sin duda (o al menos así se espera) una explosión similar a la del Tye die para finales de este año, sobre todo después del mediático desfile de Dolce & Gabbana. 

Es natural que el ‘patchwork’ haga su regreso en un momento que evoca sentimientos de guerra, crisis y austeridad, pues contrario a sus orígenes, en la historia moderna del textil, esta técnica apareció en las post guerras de la primera y la segunda guerra mundial como una respuesta a la escasez de los materiales. 

Inicialmente el patchwork era muy utilizado en las prendas de vestir, migró al textil hogar y la decoración, para hacer su regreso a la moda viva. La técnica cuenta con múltiples estilos en tiras, mosaico, colores, formas, etc., y se presta para alimentar la creatividad. 

Actualmente se espera un repunte de la tendencia para 2020 y 2021 como un indicador de tiempos pasados, de nostalgia y con un guió de sostenibilidad, especialmente con estampados clásicos tipo pañoleta. ¿Has experimentado con el patchwork? ¿lo usarías?