La historia del brasier se remonta a tiempos tan antiguos como Egipto, cuando las mujeres usaban un sistema de bandas en tela para cubrir sus pechos y proteger sus partes íntimas.

A lo largo de todas las décadas y períodos de la historia, esta prenda de vestir tomó muchas formas diferentes, pero la historia moderna del brasier como lo conocemos, empieza en 1910. 

El sostén obtuvo una adopción generalizada a principios del siglo XX, cuando reemplazó en gran medida al corsé. El primer brasier moderno se atribuye a Caresse Crosby, una editora y activista de Nueva York que creó la prenda en 1910.

Utilizando dos pañuelos y una cinta, Caresse diseñó el primer brasier moderno y patentó su diseño en 1914, fabricó sujetadores brevemente en una fábrica de dos mujeres en Boston antes de vender su patente a Warner Brothers Corset Company, que comenzó a producir la prenda en masa.

La moda y los negocios, han estado siempre ligados, no solo entre ellos, sino también con la evolución, los avances de la sociedad y los cambios. 

La ropa interior es muchas veces vista como algo de tentación, o incluso de lujuria, pero todos sabemos que de una ropa interior adecuada, depende cómo se ve todo el look. Lo que va por debajo de la ropa y que no se ve, es igual o más importante, que lo que si vemos. 

¿Qué es Y2K? es la forma de denominar la ‘década’ de los años 2000, aunque en realidad abarca desde 1995 hasta 2005. ¿Qué tiene que ver con la moda? Los años 2000 son una de las tendencias que vienen con mayor fuerza para 2022 y 2023.

¿Por qué es "importante" esta tendencia? Porque es un hito de nostalgia que si bien le habla a las nuevas generaciones con la idea de que “es cool" verse "retro", es un guiño a los Millennials, que recordarían la moda de su infancia y adolescencia. 

Los Millennials, usualmente, y sin importar el nivel económico, crecieron con más posibilidades y medios que sus padres. Esta generación es hija de unos padres que crecieron con poco, con restricciones, pues sus padres (los abuelos de los Millennials), vivieron la escasez de la posguerra. 

Y2K es una celebración de color, es libertad, es texturas, es exploración. Es una forma de conectarse con los tiempos pasados, que para esta generación “siempre fueron mejores”. 

Ahora, si bien esto es ‘tendencia’, es vital mantenerse fiel a la marca, a la clientela y a los principios. Hay formas de adaptar estas tendencias a nuestras marcas sin tenerlas que adoptar en su totalidad. 

Unos guiños aquí y allá son suficientes, no hay necesidad, a menos que el ADN de la marca lo permita, de fusionar los pantalones baggy, con las gafas de acrílico, los brillos, los colores fuertes, un toque retro futurista (suena contradictorio ¿no?), y más. 

Muchas de estas micro tendencias ya llevan un tiempo en furor y lo seguirán estando, pero lo importante es 1) entender de dónde viene la tendencia y cuál es su objetivo (cautivar a los Zoomers y los Millennials) y 2) ¿Cómo adaptarla a TU marca? Sin alienar al cliente ni atentar contra la esencia.

Esta prenda corta, que se impone en las pasarelas del mundo, ha pasado por tres revoluciones, y dos siglos de historia. 

​Según los historiadores de moda, la primera aparición del crop top fue hacia 1893 cuando las bailarinas de un grupo egipcio se presentaron en la Gran feria de Chicago con sus faldones y las diminutas blusas para mostrar sus vientres en la danza. 

Décadas después, en los años 30 y la economía de la post guerra y la crisis del 29, las prendas superiores redujeron nuevamente sus largos, por la escasez de materiales. El verano de 1930 fue la excusa perfecta para retomar esta prenda que se vio por primera vez en una escena de moda, en Francia. 

La revolución sexual de 1960 popularizó las crop tops, por años, hasta la aparición de la película Flashdance que inmortalizó la prenda y la consagró como parte del universo de la moda. 

En la circularidad de la moda y después de los años gloriosos de los videos de aerobics de Jane Fonda en los 80’s, fue a finales de los 90 cuando Britney Spears y Cristina Aguilera, presentaron estas prendas poderosas en las nuevas generaciones. 

A tiempo presente, el crop top traspasó las fronteras de la danza, del mercado deportivo, el look colegial y de verano, para incluirse en las galas, la sastrería, los eventos formales y sobre todo, el día a día. 

El diseño da vida a las colecciones y las prendas que hoy por hoy posicionan marcas y marcan la tendencia, pero la historia le da el picante y el valor tácito a estos tops que se hacen cada vez más diminutos y populares.

‘La petite robe noire’ o ‘little black dress’, las expresiones internacionales para denominar la pieza icónica de los armarios femeninos, tiene sus inicios en los años 20.

​De seguido, los historiadores de moda le atribuyen la autoría de esta prenda a Coco Chanel, sin embargo, se dice que la moda nació en la calle, en el París de los años 20, cuando las mujeres portaban duelo por la guerra y la Gripe española, la tela era escasa, los ruedos subían y el presupuesto era inexistente. 

En 1926, Chanel fue la primera modista en presentar oficialmente el modelo, que causó sensación entre el público, no solo por la sobriedad, minimalismo y simplicidad de la prenda, sino por su exquisita confección. 

En Estados Unidos, este vestido negro fue catalogado como “el Ford de Chanel” haciendo alusión a los carros de Ford, cuyo excéntrico fundador decía “le puedo hacer el carro del color que quiera, siempre y cuando sea negro”, pues la pintura negra, era la mezcla de todos los colores, y la única opción en tiempo de guerra. 

En los años de la post guerra, esta pieza se vio opacada por el New look de Christian Dior, los pantalones para las mujeres y otras innovaciones. 

Casi 40 años después, en los años 60, Audrey Hepburn vestida por Hubert de Givenchy en su rol de Holly en Breakfast at Tiffany’s, le regresa su reinado al pequeño vestido negro, que a la fecha, se inscribe casi en la totalidad de las colecciones de los modistos más conocidos en el mundo. 

Un poco de contexto: H&M es una de las marcas de fast fashion más conocidas en el mundo. Hace aproximadamente 5 años la marca llegó a Colombia y desde entonces se ha expandido rápidamente, ya cuenta con más de 11 tiendas en el país, en Bogotá, Medellín y Cali y ahora, a principios de este año, lanzó su tienda en línea.

Estamos en la época de la integración 360 de las macas, sin fricción, en inglés se dice “seamless integration” que traduce literalmente integración sin costuras, es decir, sin que el cliente note el cambio entre un canal y otro, un paso más allá que la Omnicanalidad. 

Las marcas ahora ofrecen compras en línea para entrega en punto de venta, o compras en físico para entrega a domicilio, compras por aplicaciones, compras asistidas y más. ¿Qué pasa entonces con H&M? 

Hicimos una compra de ensayo en la tienda en línea en Colombia, recibimos el pedido en menos de 5 días, lo que fue una sorpresa, PERO cuando fuimos a la tienda física a cambiar las prendas, como parte de la prueba de integración ¡Sorpresa! no están integrados los canales y mucho menos es seamless. Si compras en la tienda en línea, solo puedes hacer cambios por ese medio, en la tienda física no te dan razón de nada y viceversa. 

Es entendible, es una empresa muy grande y necesita encontrar métodos especiales para avanzar en mercados emergentes, pero ¿Y el cliente? ¿Cómo le explicas a un cliente que una marca que en teoría es tan grande y poderosa, ofrece una experiencia que en los tiempos actuales sería catalogada como mala? 

Más allá de los motivos de la marca, tenemos que utilizar esto en nuestro beneficio. Siempre hemos dicho que las marcas pequeñas tienen una enorme ventaja sobre las grandes y es la flexibilidad, el servicio al cliente y la atención personalizada. ¡Utilízalos! Si tienes tienda virtual y física, asegúrate que tus sistemas estén integrados y la experiencia sea realmente sin fricción, que todo sea omnicanal, seamless. 

Si tienes solo venta digital, asegúrate que el cliente pueda contactarte por todos los medios en donde tienes presencia; tienda en línea, correo electrónico, WhatsApp, Instagram, Facebook, etc. ¡Esta es la “famosa” experiencia al cliente de la que tanto se habla! No es solo el empaque y el olor lo que cuentan, sino realmente la atención postventa, recuerda que es ahí donde se fideliza. 

¿Tienes una experiencia de compra seamless o incómoda?

La moda ha jugado un papel muy importante en el camino de la mujer hacia la igualdad de los derechos. Según los expertos, fue la primera Guerra mundial el detonante real del denim y los pantalones en el guardarropa femenino. Aquí unos datos curiosos de la incidencia del denim en la historia.

En 1918, a finales de la primera guerra mundial, Levis presentó “Freedom Alls” el primer “pantalón” pensado en la mujer, era un enterizo de blusa y pantalón bombacho. (Entre 1918 y 1920 Coco Chanel presentó oficialmente los primeros pantalones “de moda” para mujer en París). 

Entre 1920 y 1930, las mujeres más lanzadas empezaron a usar pantalones de hombres, ajustándolos a sus cuerpos, pero seguía siendo un terreno intermedio. No era socialmente “muy aceptada” la tendencia. 

Hacia 1930 Vogue saca el primer editorial con mujeres usando pantalones de jean y en 1934 Levi’s cede y lanza Lady Levi’s, el primer pantalón de jean diseñado para mujeres. 

Para 1950 esta prenda ya era parte del guardarropa femenino de las mujeres en Estados Unidos y empezaba a regarse en Europa y otras partes del mundo gracias a sus cortes ceñidos al cuerpo y los looks provocativos. 

Los años 60 y 70 y la revolución por la igualdad de derechos en el mundo, le otorgó un lugar permanente a los jeans la vida cotidiana de las mujeres. 

Dato curioso: Además del pantalón como un paso fundamental en la historia de la moda para mujer y su incidencia en el papel de la mujer en la sociedad. Fue el jersey de algodón, o la camiseta manga larga presentada por Coco Chanel, lo que causó furor. 
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Pinterest se ha convertido en un buscador y predicador de tendencias. Sus millones de búsquedas diarias le permiten generar predicciones para el año a venir. Según la plataforma, de sus 10 predicciones de tendencias de 2021, se cumplieron 8. Aquí un resumen de las predicciones de moda para 2022

OH MY GOTH: “No es solo una fase, es una realidad”. La tendencia gótica evoluciona hacia la moda casual, la ropa de niños, la decoración y pinta de negro todas las facetas del día a día. No es cuestión de todo o nada, introduce elementos góticos y negros en tu narrativa de marca. 

DOPAMINE DRESSING: “Los colores en la moda como una nueva fuente de dopamina”, el arcoiris es el límite. El 2022 es sobre looks que te hagan sentir bien, con un toque eléctrico. Incluye los colores fuertes en tus colecciones, bien sea en prendas o en accesorios puntuales. Fucsia, verde y azul eléctrico. ¡Todo Si!

CHECK YOURSELF: Esta tendencia le habla particularmente a los Millennials y los Baby Boomers. Uñas, camisetas, decoración, todo se viste de cuadros, pero no solo en blanco y negro, sino en colores. Incluye un poco de estampados en cuadros, sutiles o extravagantes en tus prendas, ¡No lo lamentarás!

LOUNGE-ERIE: “Adiós a las sudaderas, ¡Hola pijamas en seda! La búsqueda de “lounge lingerie” ha crecido en un 96 % en Pinterest. Las pijamas tendrán su propio código vestimentario en 2022. Invita a tus clientes a llevar las pijamas sedosas a un nuevo nivel. 

PEARLCORE: En 2022 las personas de todas las edades van a adoptar las perlas, ya no como un accesorio especial, sino para el día a día. “Si eres una marca de moda, ayuda a tus clientes a elevar sus looks con perlas, mezclando este accesorio de forma atípica con camisetas o piezas menos clásicas”. 

Al igual que con las predicciones de Fashion Snoops o WGSN, insistimos que las marcas deben escoger las tendencias que van a seguir, no se puede hacer todo. Además, las tendencias deben adaptarse al ADN de las marcas y al mercado objetivo ¡No lo olvides!

Las tendencias de moda son un tema muy extenso, usualmente WGSN presenta entre 8 y 12 “temas” diferentes para cada temporada, con el fin de abarcar todos los segmentos de la industria. La Primavera verano 2023, se presentará en septiembre 2022. 
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NOTA: Con la aceleración en la moda que hemos venido experimentando, es posible que estas tendencias se vean desde el verano 2022 en la calle, como un abre bocas a lo que vendrá, tendrán un posible punto de inflexión en Latinoamérica y Estados Unidos hacia finales de 2022 y estarán en apogeo entre marzo y junio 2023. 

1. Las tendencias inician con unos “triggers” o impulsores, se proyectan en los momentos de la sociedad y crean macro temas que después se desglosan en tendencias. Estos macro temas son:   

• Diseño consciente, Refugio espiritual y Plenitud. 

 

• Con base en este reporte, esta podría ser la primera temporada de la “post pandemia real”, con un nuevo mundo más organizado. 

 
2. “No es una tendencia para pensar demasiado, es alegre. Los artículos del diario fusionan la funcionalidad con la costura, y lse presentan como una nueva estética en el mundo físico. La comunidad es importante, por lo que las marcas y productos que favorezcan la unión en torno a valores y estéticas compartidas marcarán el rumbo”. WGSN. 

El público deseará productos y experiencias que pongan una nota de extravagancia a la vida diaria, y los estará esperando en versiones sin filtrar y en toda su plenitud. 
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3. Los colores:

4. Puntos de acción o consejos para la aplicación de las tendencias: 
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• Revitaliza las siluetas de tu marca con estampados y colores optimistas. Generar vínculos entre lo que el cliente ya conoce y ama, y lo nuevo. 
• Inspiración digital. Usar la tecnología, los cortes y los textiles técnicos como parte de las prendas. 
• La imperfección es perfecta. El consumidor exige menos perfección más realidad. Libre interpretación. 
• Vintage, vintage, vintage. El mundo parece haberse congelado entre los 60´s y la primera década de los 2000. Encuentra la temporada que más se adapta a ti.  

NOTA: Las tendencias son puntos de partida para el diseño pero siempre deben fusionarse con los códigos estéticos, y éticos de las marcas, sin perder el ADN. Lo esencial es marca + tendencia / cliente + mercadeo = producto. 
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Esta semana en Vogue Paris se publicó una entrevista a Miuccia Prada, la directora creativa de Prada y una de las grandes mentes de la industria de la moda. Aquí unos apartes de sus aportes más interesantes.

"¡Me han pedido que haga esto durante mucho tiempo!”, dijo Miuccia Prada respecto a las colaboraciones, “pero el  único objetivo de estos proyectos siempre parecía ser vender más; clichés, banalidades, no ideas, no moda. Eso nunca me interesó".

“Primero tienes que tener una capacidad analítica, luego tienes que ser capaz de convertir ese análisis en elementos tangibles. Cuando aún no tengo una idea clara, siempre me pregunto: ¿Qué me interesa? Puede ser un lugar, un color o incluso una emoción…”

“Luego trato de averiguar por qué me atrae eso en particular. En la práctica, comienza con una estética, con un motivo o algo que me llame la atención. El proceso lleva meses, a veces años, y muchas veces no tiene nada que ver con las tendencias".

"Primero odias algo, luego tratas de entender el sentimiento que despierta en tí y el origen del objeto, el por qué", dice Miuccia Prada. "Es emocionante, y para las personas creativas, ser apasionado es el único camino”. 

“El reto es entender el mundo y cómo está cambiando, y cómo eso se refleja en la forma en que la gente piensa sobre la moda y la ropa. Está cambiando mucho, y eso es un fenómeno generacional”, concluyó. 

A veces nos hacemos ideas de grandeza erróneas sobre los creativos y las mentes brillantes detrás de las marcas más reconocidas del mundo. Miuccia particularmente es reconocida por su serenidad y seriedad a la hora de trabajar, como ella misma dice, ella no es una estrella, ni una personalidad, es una diseñadora apasionada que ama lo que hace y lo sigue haciendo a sus 73 años.

¿Qué es el luxe-washing? Es cuando productos y marcas hacen uso del “escudo” o la categoría de lujo para justificar sus precios y adherir a los beneficios, sin otorgar el valor correspondiente al cliente. Es cuando el precio excede el valor y la categoría.

Según explicó Viviane Lipskier de Brand Alchemy, una marca de lujo, sin importar si es antigua, moderna, de tradición o nueva debe tener esencia, tiempo y calidad. El lujo requiere de esencia, requiere de una historia cargada de un ADN poderoso, pero NO inventado, sino real. 

Además de la esencia, debe tener tiempo, pues el lujo no se hace de manera acelerada, requiere de múltiples prototipos, búsquedas, perfeccionamiento del producto, etc. Una marca de “lujo” que tiene presupuesto para vivir solo 6 meses sin facturar, tiene un problema, pues el retorno del lujo es más lento que el del resto de las categorías en una etapa inicial.

Y por último, las marcas de lujo deben de tener calidad. La calidad no es negociable, pero no es la calidad como la conocemos nosotros “mortales” hoy en día, si no, calidad real, con agujas y máquinas especiales, técnicos artesanales, insumos diferenciales y garantías tangibles. 

Es importante ubicar bien nuestras marcas en las categorías, pero sobre todo no caer en el “washing”. Si vamos a hacer una marca de lujo, que sea de lujo y cumpla con los valores, si no, es mejor olvidarse de la denominación, pues a nivel de competencia siempre se verá inferior. 

En la membresía, en la sección de Artículos, contenido & ejercicios hay un artículo de profundidad en este tema.